A principios de 2023, Adana Dental, una empresa vinculada al diseño y la investigación dental en Tenerife, decidió renovar su imagen de marca y actualizar el espacio interior de sus instalaciones. La operación no partía de la necesidad de ampliar, sustituir o transformar radicalmente el laboratorio, sino de repensar su identidad física desde una intervención precisa, capaz de hacer visible una nueva etapa de la empresa sin alterar la distribución original del espacio.

BIAN asumió el proyecto desde una lógica integral, abordando simultáneamente la rneovación de la identidad gráfica y el diseño interior. Esta doble condición permitió que la intervención no se entendiera como una simple reforma, sino como la construcción de un nuevo sistema de relaciones entre imagen, uso y espacio. El reto consistía en trasladar los valores de Adana Dental —innovación, tecnología, precisión y futuro— a un lenguaje gráfico y una arquitectura interior capaz de acompañar el trabajo cotidiano del centro y, al mismo tiempo, mejorar la experiencia de quienes lo visitan.

La estrategia principal se concentra en la incorporación de un dispositivo de acero inoxidable diseñado a medida. Esta pieza organiza el área principal y establece una conexión visual y funcional entre las zonas de investigación, trabajo y recepción. Lejos de actuar como un objeto autónomo o decorativo, el dispositivo funciona como una infraestructura interior: ordena recorridos, articula los flujos de uso y construye una nueva continuidad entre ámbitos que antes quedaban más fragmentados. La intervención transforma el espacio sin imponerse sobre él, introduciendo una nueva lectura del laboratorio a partir de un gesto mínimo pero decisivo.

El acero inoxidable se convierte en el material central del proyecto por su relación directa con el universo técnico y sanitario. Su acabado limpio, preciso y reflectante remite a la tecnología dental, a la higiene y a la durabilidad, pero también introduce una condición espacial más compleja. La luz, los reflejos y las geometrías curvas modifican la percepción del interior y suavizan la rigidez habitual de los entornos clínicos. El resultado es un espacio más fluido, abierto y amable, donde la precisión técnica convive con una atmósfera cercana.

Junto al acero, el color adquiere un papel fundamental. Se renueva la identidad gráfica de Adana Dental y se incorpora al espacio mediante la intervención en suelos y paredes, convirtiendo los tonos corporativos en materia arquitectónica. El color no aparece como un añadido superficial, sino como una herramienta capaz de orientar, delimitar y activar el interior. Esta decisión refuerza la presencia de la marca y permite que el laboratorio funcione también como un territorio visual reconocible, donde cada superficie participa en la construcción de una identidad común.

El proyecto plantea una reflexión sobre la capacidad de las pequeñas intervenciones para transformar espacios existentes. Frente a la idea de reforma como sustitución, la propuesta trabaja desde la precisión, la continuidad y la economía de medios. Mantener la distribución original no supone una limitación, sino una oportunidad para actuar sobre lo existente desde una estrategia más consciente. La arquitectura opera aquí como una mediación entre la actividad técnica del laboratorio, la imagen pública de la empresa y la experiencia cotidiana de sus usuarios.

Adana Dental se renueva así mediante una intervención mínima de alto impacto, donde acero inoxidable, color y geometrías curvas redefinen la relación entre recepción, investigación y trabajo. El proyecto demuestra que una transformación significativa no siempre depende de grandes operaciones espaciales, sino de la capacidad de identificar el punto exacto desde el que una pieza, un material y una identidad pueden reorganizar la percepción completa de un lugar.

El proyecto recupera el antiguo cine-baile de Carballedo, en el municipio de Cerdedo-Cotobade (Pontevedra), convirtiéndolo en un equipamiento cultural y social capaz de acoger una programación diversa y flexible. Concebido originalmente como un espacio de encuentro para la parroquia, el edificio había permanecido en desuso durante años, aunque conservaba intacta su capacidad para actuar como referente colectivo dentro del núcleo rural. La intervención parte del reconocimiento de ese valor patrimonial, entendido no solo desde el punto de vista arquitectónico, sino también como parte de la memoria compartida y de la identidad del lugar.

La construcción mantenía prácticamente inalterada su configuración volumétrica y sus principales características tipológicas, si bien el deterioro de sus elementos constructivos y la inadecuación de sus espacios impedían cualquier uso público. Frente a esta situación, el proyecto plantea una rehabilitación que compatibiliza la conservación de los valores existentes con la incorporación de las condiciones funcionales, técnicas y normativas necesarias para garantizar una nueva vida útil al edificio.

La estrategia de intervención se basa en adaptar el inmueble a un programa contemporáneo sin alterar la lógica constructiva que define la arquitectura original. Lejos de buscar una transformación radical, el proyecto mantiene la escala, la implantación y la imagen reconocible del antiguo cine-baile, permitiendo que continúe formando parte del paisaje cotidiano de Carballedo. Las nuevas actuaciones se conciben como aportaciones contemporáneas, claramente identificables, que establecen un diálogo respetuoso con la construcción existente sin recurrir a imitaciones ni reconstrucciones historicistas.

La ampliación se resuelve mediante una intervención diferenciada que aprovecha la generosa altura interior del edificio para incorporar una nueva planta. Esta operación se materializa mediante una estructura independiente, insertada dentro de la envolvente de muros de granito, que permite organizar nuevos espacios sin modificar el comportamiento estructural de la fábrica original. De este modo, los muros históricos mantienen exclusivamente la función para la que fueron concebidos, mientras que la nueva estructura asume las cargas derivadas del programa contemporáneo, garantizando además la legibilidad de las distintas etapas constructivas.

La topografía de la parcela desempeña un papel fundamental en la organización del proyecto. El desnivel existente permite dotar a cada planta de un acceso independiente, facilitando el funcionamiento simultáneo de distintos usos y mejorando la accesibilidad del conjunto. Al mismo tiempo, este condicionante se aprovecha para incorporar un patio que introduce iluminación y ventilación natural en la planta inferior, mejorando significativamente las condiciones ambientales y la calidad espacial de los nuevos ámbitos de uso.

La intervención presta también una especial atención a la relación entre el edificio y la luz natural. La apertura de nuevos huecos y la reorganización de algunos existentes transforman la percepción de los espacios interiores, favoreciendo una iluminación más uniforme y estableciendo nuevas relaciones visuales con el entorno inmediato. Estas operaciones se realizan desde una actitud contenida, buscando reforzar las cualidades espaciales del edificio sin alterar el equilibrio compositivo de sus fachadas.

La materialidad del proyecto responde a la voluntad de establecer una continuidad entre la arquitectura tradicional y las soluciones constructivas contemporáneas. La piedra de granito y la madera, presentes en la construcción original, conviven con materiales como el acero, el hormigón y el zinc, utilizados allí donde sus prestaciones técnicas resultan más adecuadas. Esta combinación no pretende diluir las diferencias entre lo existente y lo nuevo, sino ponerlas en valor mediante un lenguaje arquitectónico preciso, donde cada material expresa con claridad su función y el momento histórico al que pertenece.

El resultado es un edificio preparado para albergar actividades culturales, formativas y sociales de muy diversa naturaleza —reuniones vecinales, talleres, conciertos, conferencias, exposiciones o presentaciones—, recuperando para la comunidad un espacio que durante décadas desempeñó un papel fundamental en la vida colectiva de la parroquia. Más que una simple rehabilitación, el proyecto propone la continuidad de un lugar de encuentro, actualizando su capacidad de servicio sin renunciar a la memoria, la identidad y la presencia que siempre caracterizaron al antiguo cine-baile de Carballedo.

La intervención tuvo como objetivo principal garantizar la conservación de los valores patrimoniales del edificio mediante una actuación basada en el conocimiento de su evolución histórica, el respeto por la autenticidad material y la recuperación de su coherencia constructiva. El proyecto se planteó desde los principios de la restauración contemporánea, entendiendo el edificio como el resultado de un proceso histórico continuo y asumiendo que cada una de sus etapas forma parte de su identidad. Desde esta perspectiva, las decisiones proyectuales se apoyaron en un análisis previo de las distintas fases constructivas, del estado de conservación de los materiales y de las transformaciones acumuladas a lo largo del tiempo.

La actuación se centró en la conservación y consolidación de los elementos originales que habían llegado hasta nuestros días, eliminando aquellos añadidos que, por sus características constructivas o materiales, resultaban incompatibles con el funcionamiento del edificio o alteraban la correcta lectura de sus espacios. Estas sustituciones no respondieron a un criterio de recuperación estilística, sino a la voluntad de restablecer un equilibrio entre la arquitectura histórica y las nuevas aportaciones, incorporando soluciones compatibles, reversibles y claramente reconocibles como intervenciones contemporáneas.

Uno de los aspectos más relevantes del proyecto fue la sustitución del coro y de la escalera construidos en hormigón durante el siglo XX, cuya presencia desvirtuaba tanto la configuración espacial del templo como su comportamiento estructural. A partir de las huellas conservadas en los muros, de los apoyos originales y de la información obtenida durante los trabajos de investigación, se proyectó un nuevo coro capaz de recuperar la escala, proporción y posición que probablemente tuvo la estructura histórica, sin recurrir a reconstrucciones miméticas ni a interpretaciones carentes de base documental. La nueva pieza establece un diálogo respetuoso con la arquitectura existente, diferenciándose mediante un lenguaje contemporáneo que facilita la lectura de las distintas etapas históricas del edificio.

Del mismo modo, la nueva escalera se resolvió mediante una estructura metálica ligera, de geometría sencilla y mínima ocupación visual, concebida para garantizar el acceso al coro sin competir con la arquitectura del templo. Su diseño responde a criterios de ligereza, reversibilidad y claridad constructiva, integrándose de forma discreta en el conjunto y poniendo en valor los elementos históricos conservados.

En conjunto, el proyecto buscó compatibilizar la preservación del patrimonio con las necesidades derivadas de su uso contemporáneo, incorporando únicamente aquellos elementos imprescindibles para asegurar su funcionalidad y mantenimiento. La intervención entiende la restauración como una nueva etapa en la vida del edificio, evitando la búsqueda de un supuesto estado original o definitivo y asumiendo que toda actuación pasa a formar parte de su historia. Desde esta posición, el proyecto propone una arquitectura capaz de dialogar con lo existente desde el respeto, la precisión técnica y la honestidad constructiva, reforzando la continuidad histórica del lugar y favoreciendo su transmisión a las generaciones futuras.

Frente a la bahía de Santander, esta vivienda de 120 m² ha sido completamente reformada para convertirse en un espacio abierto al paisaje marítimo de la ciudad. La intervención parte de una vivienda original del año 1932, totalmente compartimentada, con largos pasillos, habitaciones pequeñas y estancias interiores sin luz natural.

Se reconfigura por completo la organización de este hogar, apostando por un gran espacio central, flexible y sin jerarquías, que funciona como cocina, comedor, salón y zona de trabajo. Este núcleo común no solo organiza la vivienda, sino que se proyecta hacia el exterior, abriendo la casa al mar. Alrededor de él, todos los dormitorios configuran un perímetro habitable de forma que desde las zonas comunes se establece una conexión visual con la bahía de Santander.

Desde el punto de vista material, este proyecto se construye con un número reducido de elementos, empleando una paleta que combina pocos materiales con una estética cruda y desnuda. El azul, característico de la ciudad, se incorpora en muebles y armarios, creando una relación cromática con Santander. En las zonas húmedas de la casa, se utilizan azulejos cerámicos blancos sencillos, y un pavimento continuo de linóleo unifica de forma homogénea todas las estancias de la vivienda; este tono neutro se mezcla con texturas y acabados en bruto, como el hormigón de la estructura del edificio existente. Esta sobriedad material crea una atmósfera de calma que contrasta con los colores vibrantes del mar.

El espacio central se concibe como un área diáfana y flexible, capaz de adaptarse a distintas configuraciones con el paso del tiempo, permitiendo que la vivienda evolucione según las necesidades de sus habitantes. En contraste, los baños —tradicionalmente espacios menos destacados— se transforman en áreas vibrantes, invadidas por tonos intensos como el amarillo y el naranja, lo que subraya su vitalidad.

Una forma de habitar contemporánea, alejada de modelos rígidos y compartimentados. Una casa concebida como un espacio abierto a múltiples posibilidades, donde los límites entre funciones se diluyen y surgen nuevas formas de vivir: más flexibles y sociales.

lazo. Del lat. laqueus ‘nudo, atadura’.

1. Nudo o atadura de una cinta, cordón, etc., que sirve de adorno o de unión.
2. Vínculo, unión o atadura no material.

La intervención se desarrolla en una vivienda situada en el centro de Granada. Los propietarios, una pareja de científicos que regresa tras varios años en Estados Unidos, buscaban una reforma que priorizara el orden, la funcionalidad y la luz natural. El apartamento original presentaba una organización muy compartimentada, dominada por un corredor central alargado sin ventanas. Conservaba una distribución de mediados del siglo XX, con acceso de servicio y una cocina relegada al fondo, iluminada únicamente por un patio de luz y desconectada del día a día.

La propuesta elimina el corredor principal y reubica la cocina en el espacio que antes ocupaba el salón, para convertirla en el centro funcional y social de la vivienda. Desde el inicio, el proyecto articula circulación, almacenamiento y paso de instalaciones a través de un único elemento longitudinal y continuo: el lazo. Este volumen, acabado en tonos crema, estructura el programa, integra domótica y climatización, y organiza el espacio conectando todas las estancias.

El lazo recorre la vivienda en zigzag, ascendiendo principalmente por el techo y generando cambios de altura que modifican la escala y el uso de cada estancia. Aparece en el estudio, separándolo del dormitorio principal. Antes de llegar al dormitorio infantil, el lazo incorpora el baño (donde matiza su materialidad interior utilizando acabados cerámicos crema) y comprime el paso, generando junto al falso techo una “madriguera” infantil que funciona como refugio y zona de juegos. En la cocina, el lazo resuelve las infraestructuras de climatización y almacenamiento, y continúa hasta la zona de lectura, donde se convierte en estantería y banco frente a la terraza elevada.

El mobiliario complementario se compone de piezas blancas exentas que no llegan al techo, permitiendo el paso de la luz y la visión entre espacios. Entre estas piezas destacan el armario que separa el vestidor del dormitorio principal, el módulo que independiza el dormitorio de invitados respecto al de la niña y el mobiliario de la cocina, todos diseñados para mantener la permeabilidad visual y reforzar la flexibilidad funcional de la vivienda.

En contacto con el suelo, los zócalos en tonos crema aportan escala y funciones concretas allí donde se necesitan: la isla central de la cocina funciona como lugar de encuentro y trabajo familiar, mientras que la cama de la hija, integrada como zócalo robusto, resuelve almacenamiento y define el espacio del dormitorio infantil. Todo el pavimento de la casa es de microcemento crema, continuo y sin juntas, lo que facilita la limpieza, amplifica la luminosidad y proporciona una base cálida y neutra.

La intervención responde a los hábitos y necesidades de los propietarios, resolviendo las principales carencias del estado original. En ese sentido, El lazo como intervención principal no es solo un recurso formal, sino la infraestructura técnica y programática que da sentido a toda la vivienda, articulando recorridos y organización espacial. El sistema de piezas exentas y zócalos, integrados en el recorrido del lazo o anclados al suelo según cada caso, refuerza la continuidad espacial, facilita la transición entre usos y aporta almacenamiento y apoyo en puntos estratégicos, contribuyendo a la coherencia visual del conjunto.

El dibujo de una cueva no puede reducirse a la convención arquitectónica de una planta y una sección. La arquitectura excavada no responde a geometrías ortogonales ni a lógicas constructivas aditivas; es un vacío sustraído, modelado por la materia geológica, el uso acumulado y el tiempo. Dibujarla exige, por tanto, reformular el instrumento gráfico.

Proponemos una metodología en dos niveles complementarios. En primer lugar, un atlas taxonómico del vacío, obtenido a partir de escaneado láser y traducido a una seriación sistemática de cortes horizontales y verticales a intervalos constantes. Esta operación transforma el modelo tridimensional en una matriz gráfica comparable, donde cada sección revela variaciones morfológicas, cambios de espesor, inflexiones del contorno y huellas de uso. El dibujo deja de ser representación puntual para convertirse en archivo anatómico del espacio excavado.

La Cueva-Venta de Trevela, situada en el antiguo trazado del Camino de Granada a Levante, constituye un caso de estudio paradigmático por su claridad tipológica y su inserción territorial estratégica. Excavada directamente en el talud geológico y articulada en torno a un espacio de acceso que distribuye cuadras, cocina y estancias de servicio, su morfología revela una adaptación precisa entre sección espacial, tránsito animal y uso logístico. Su estado actual de deterioro no oculta la legibilidad de las huellas de ocupación, lo que la convierte en laboratorio idóneo para ensayar una metodología de registro métrico seriado y cartografía relacional. Más que un objeto patrimonial aislado, Trevela funciona como condensador de relaciones entre geología, infraestructura histórica y memoria social, permitiendo validar un sistema de dibujo replicable en otros enclaves del hábitat excavado andaluz.

En segundo lugar, desarrollamos cartografías relacionales multiescala, que sitúan la cueva dentro de su sistema territorial mediante la superposición crítica de capas geológicas, infraestructurales, históricas y ambientales. La cueva deja de entenderse como objeto aislado y pasa a leerse como nodo dentro de un paisaje cultural complejo.

La Cueva-Venta de Trevela, situada en el antiguo trazado del Camino de Granada a Levante, constituye un caso de estudio paradigmático por su claridad tipológica y su inserción territorial estratégica. Excavada directamente en el talud geológico y articulada en torno a un espacio de acceso que distribuye cuadras, cocina y estancias de servicio, su morfología revela una adaptación precisa entre sección espacial, tránsito animal y uso logístico. Su estado actual de deterioro no oculta la legibilidad de las huellas de ocupación, lo que la convierte en laboratorio idóneo para ensayar una metodología de registro métrico seriado y cartografía relacional. Más que un objeto patrimonial aislado, Trevela funciona como condensador de relaciones entre geología, infraestructura histórica y memoria social, permitiendo validar un sistema de dibujo replicable en otros enclaves del hábitat excavado andaluz.

Se trata de una pequeña casa que se siente más grande de lo que es, y que, sin embargo, no carece de nada esencial para la vida doméstica de sus habitantes. Desde esta perspectiva, es una casa como todas las casas deberían ser. A través de un recorrido tipológico, llegamos a un diseño que reconstruye la casa muy “tal como se encontró” - aunque invertida. Los dormitorios se sitúan abajo, entre la calle y un patio tranquilo, cada uno con su propio grado de privacidad. El vestíbulo de entrada, con su geometría excéntrica, ofrece una accesibilidad sorprendente y una generosidad poco común para una vivienda de esta dimensión. El espacio principal ocupa toda la planta superior, bajo la cubierta inclinada existente. Aquí, la casa se abre hacia sus mejores vistas, potencia la ventilación cruzada y disfruta de una mayor altura libre, celebrada por catenarias de cartón-yeso moldeadas in situ - moldeadas por las manos de los trabajadores.

En la parte posterior, una escalera paralela al muro medianero era todo lo que quedaba de la estructura original. Aparte de ella, solo existían los muros de piedra y una estructura de madera - forjado y cubierta - ambos en relativamente buen estado. La escalera era frágil, pero su ubicación insólita sirvió como pista. Debido a su precariedad, fue sustituida. Los demás elementos se conservaron y revalorizaron a través del nuevo diseño. Las maderas existentes fueron pintadas, lo que permitió su mantenimiento con sustituciones sutiles y aseguró una lectura continua del espacio. Se añadió muy poco. En el nivel inferior, algunos tabiques ligeros delimitan las nuevas habitaciones, todas de tamaño similar. Arriba, un núcleo infraestructural compacto oculta las instalaciones técnicas de la vivienda. La cercha existente descansa ahora sobre una nueva y robusta viga de madera, lo que permitió abrir una ventana alta con vistas al jardín. Una ligera terraza de madera garantiza una conexión fluida entre los espacios.

Los planos de ejecución fueron mínimos. La disposición espacial se mantuvo, pero la colaboración lenta y cercana con los constructores permitió una serie de momentos improvisados que nunca habrían sido previsibles en el diseño original. En el exterior, se encuentra una fachada de corcho, tres columnas octogonales de hormigón vertidas con encofrados recuperados, un depósito de agua de hormigón y un muro espejado que refleja el hermoso jardín diseñado por pomo landscapes. Como el propio proyecto, la casa es pragmática y honesta. Una especie de cabaña primitiva urbana, concebida como casa de vacaciones, pero pensada para ser habitada durante todo el año.

Transformar el espacio de un antiguo taller de reparación de automóviles en una vivienda abre nuevas posibilidades para la arquitectura de la casa, siempre que esta no se entienda como tal. Es decir, si no intentamos en vano encajar en un espacio inhabitable las imágenes, preceptos y modos de vida que hemos heredado de forma cristalizada. En el fondo, si “un hogar no es una casa”, como escribió Reyner Banham en 1965. En cierta medida, si la consideramos como un fragmento de una ciudad mayor, la casa no es más que un refugio para proteger a sus habitantes de los elementos, así como para satisfacer sus necesidades fisiológicas más inmediatas y garantizar las incomodidades de la privacidad. Desde este punto de vista, el espacio existente del antiguo garaje resulta tan extraño como adecuado y, sobre todo, generoso en comparación con la existencia cada vez más mínima que sugieren las propiedades que se encuentran hoy en el mercado.

El programa solo requería dividir el espacio en dos, entre trabajo - con vistas a la ciudad - y vivienda - con vistas a un pequeño patio, diseñado por pomo. La curva del muro que traducía esta solicitud acentúa la sensación de recogimiento para quienes ahora descubren la casa a través de un laberinto. El baño existente fue reformado. La intervención en el suelo, las paredes y los techos fue mínima. Consistió principalmente en el aislamiento térmico y acústico (mediante corcho visto), así como en la sustitución de las carpinterías para garantizar una adecuada eficiencia energética. Pintarlas fue una petición de los clientes.

Además de estas pequeñas reparaciones, el proyecto consistió en diseñar únicamente dos cajas de madera inspiradas en las camas-caja medievales: realizadas con pino doméstico, tableros de MDF y paneles de corcho. Situadas bajo las claraboyas existentes, estas cajas aseguran una última capa de privacidad y confort para quienes habitan en esta suerte de campamento, cuyo fuego queda simbolizado por una nueva estufa de leña.

Más allá de su utilidad práctica, el diseño de estos compartimentos para dormir como piezas de mobiliario y no como habitaciones sugiere que será a través de un proceso de apropiación - mediante objetos recopilados con el tiempo - como este campo abierto se transformará en un hogar. Prueba de ese movimiento, sobre el cual no creemos que, como arquitectos, debamos tener un control absoluto, es la nueva cocina diseñada por fala atelier e introducida en este garaje como una especie de primer ready-made.

La escenografía de esta exposición temporal en el Museu Nacional Soares dos Reis, en Oporto, parte de una premisa supuestamente sencilla: el aprovechamiento del material expositivo existente, concebido específicamente para esta sala del museo: once vitrinas, ocho plintos y diecinueve paredes móviles, para doscientas obras de arte.

La exposición se organizó a partir de estos elementos, que definían tres zonas diferenciadas en el espacio. Para hacer más clara esta distinción, se asignó un color a cada zona. La primera layer de la planta resultó de la organización de las paredes móviles, dispuestas de modo que formaban una diagonal — que dividía la sala en dos sectores — y un decágono, estableciendo así la base formal del recorrido expositivo. Los colores elegidos para la escenografía tomaron como punto de partida un tapiz que se encontraba expuesto en la sala de exposiciones temporales durante nuestra primera visita. A partir de él, identificamos los colores que deseábamos utilizar. Afortunadamente, estos coincidieron con los imaginados por los diseñadores de comunicación visual que nos invitaron a participar en este proyecto.

Tomando como base el conjunto de material expositivo diseñado por el arquitecto Távora, se nos brindó la posibilidad de explorar la reserva de materiales expositivos del museo: vidrios, herrajes, plintos adicionales, campanas de vidrio, sillas de autor y piezas de mármol. Una cierta ecología, impuesta por las limitaciones presupuestarias y el tiempo disponible para la producción. En efecto, estos elementos enriquecieron el conjunto de objetos integrados en la exposición, sacando temporalmente a la luz piezas expositivas que, tras algunos meses de exhibición, también regresarían a la reserva.

Tanto el aprovechamiento de los elementos existentes como el modo en que se llevó a cabo la elección de los colores demuestran que el espíritu “as found”, citando Alison y Peter Smithson, no se manifiesta únicamente en su expresión más directa — en el uso de materiales en bruto, tal como son —, sino también en una actitud frente al propio proyecto: aprovechar lo existente e incorporar el azar como parte de lo proyecto de arquitectura.

Muy lejos, más allá de las montañas de palabras, alejados de los países de las vocales y las consonantes, viven los textos simulados. Viven aislados en casas de letras, en la costa de la semántica, un gran océano de lenguas. Un riachuelo llamado Pons fluye por su pueblo y los abastece con las normas necesarias. Hablamos de un país paraisomático en el que a uno le caen pedazos de frases asadas en la boca. Ni siquiera los todopoderosos signos de puntuación dominan a los textos simulados; una vida, se puede decir, poco ortográfica. Pero un buen día, una pequeña línea de texto simulado, llamada Lorem Ipsum, decidió aventurarse y salir al vasto mundo de la gramática. El gran Oxmox le desanconsejó hacerlo, ya que esas tierras estaban llenas de comas malvadas, signos de interrogación salvajes y puntos y coma traicioneros, pero el texto simulado no se dejó atemorizar. Empacó sus siete versales, enfundó su inicial en el cinturón y se puso en camino. Cuando ya había escalado las primeras colinas de las montañas cursivas, se dio media vuelta para dirigir su mirada por última vez, hacia su ciudad natal Letralandia, el encabezamiento del pueblo Alfabeto y el subtítulo de su propia calle, la calle del renglón. Una pregunta retórica se le pasó por la mente y le puso melancólico, pero enseguida reemprendió su marcha. De nuevo en camino, se encontró con una copia. La copia advirtió al pequeño texto simulado de que en el lugar del que ella venía, la habían reescrito miles de veces y que todo lo que había quedado de su original era la palabra "y", así que más le valía al pequeño texto simulado volver a su país, donde estaría mucho más seguro. Pero nada de lo dicho por la copia pudo convencerlo, de manera que al cabo de poco tiempo, unos pérfidos redactores publicitarios lo encontraron y emborracharon con Longe y Parole para llevárselo después a su agencia, donde abusaron de él para sus proyectos, una y otra vez. Y si aún no lo han reescrito, lo siguen utilizando hasta ahora. Muy lejos, más allá de las montañas de palabras, alejados d

Muy lejos, más allá de las montañas de palabras, alejados de los países de las vocales y las consonantes, viven los textos simulados. Viven aislados en casas de letras, en la costa de la semántica, un gran océano de lenguas. Un riachuelo llamado Pons fluye por su pueblo y los abastece con las normas necesarias. Hablamos de un país paraisomático en el que a uno le caen pedazos de frases asadas en la boca. Ni siquiera los todopoderosos signos de puntuación dominan a los textos simulados; una vida, se puede decir, poco ortográfica. Pero un buen día, una pequeña línea de texto simulado, llamada Lorem Ipsum, decidió aventurarse y salir al vasto mundo de la gramática. El gran Oxmox le desanconsejó hacerlo, ya que esas tierras estaban llenas de comas malvadas, signos de interrogación salvajes y puntos y coma traicioneros, pero el texto simulado no se dejó atemorizar. Empacó sus siete versales, enfundó su inicial en el cinturón y se puso en camino. Cuando ya había escalado las primeras colinas de las montañas cursivas, se dio media vuelta para dirigir su mirada por última vez, hacia su ciudad natal Letralandia, el encabezamiento del pueblo Alfabeto y el subtítulo de su propia calle, la calle del renglón. Una pregunta retórica se le pasó por la mente y le puso melancólico, pero enseguida reemprendió su marcha. De nuevo en camino, se encontró con una copia. La copia advirtió al pequeño texto simulado de que en el lugar del que ella venía, la habían reescrito miles de veces y que todo lo que había quedado de su original era la palabra "y", así que más le valía al pequeño texto simulado volver a su país, donde estaría mucho más seguro. Pero nada de lo dicho por la copia pudo convencerlo, de manera que al cabo de poco tiempo, unos pérfidos redactores publicitarios lo encontraron y emborracharon con Longe y Parole para llevárselo después a su agencia, donde abusaron de él para sus proyectos, una y otra vez. Y si aún no lo han reescrito, lo siguen utilizando hasta ahora. Muy lejos, más allá de las montañas de palabras, alejados

Durante la catástrofe de la DANA en Valencia, cuando el territorio quedó desfigurado por el agua y el barro, viví uno de los ejercicios más intensos de arquitectura sin planos. No había renders, ni mediciones, ni cronogramas cerrados. Había urgencia, desorden y necesidad real.

Como arquitecto, estoy entrenado para leer el territorio, entender flujos, detectar puntos críticos y convertir complejidad en sistema. En los primeros días tras la DANA, eso fue exactamente lo que hice.

Formamos un pequeño equipo 📹 con una intención clara: aportar estructura en medio del caos. Mientras miles de voluntarios querían ayudar —algo profundamente admirable— el riesgo era la descoordinación. Mi papel fue observar el conjunto, como cuando uno analiza una ciudad antes de intervenirla.

Recorrimos uno a uno los centros logísticos improvisados en institutos, parroquias y polideportivos. Los visitamos físicamente. Escuchamos a sus responsables. Identificamos cuellos de botella. Entendimos qué recursos estaban saturados y cuáles eran críticos: agua potable, productos de limpieza industrial, generadores, herramientas, alimentos infantiles. Las necesidades no eran estáticas; evolucionaban cada día.

Como arquitecto, abordé la situación como un sistema territorial de emergencia. Había nodos (centros logísticos), flujos (donaciones, voluntarios, maquinaria), y usuarios finales (familias afectadas). Si los flujos no estaban bien diseñados, la ayuda no llegaba o se duplicaba innecesariamente.

Entre barro, chatarra y escombros lideré un equipo multidisciplinar aplicando lógica constructiva y metodologías ágiles. Diseñamos mapas de necesidades en tiempo real, organizamos turnos, canalizamos más de cien acciones en terreno y movilizamos a miles de voluntarios de forma ordenada. No se trataba de hacer más ruido, sino de construir eficacia.

Mi experiencia en dirección de proyectos fue clave: priorizar, secuenciar, distribuir responsabilidades y tomar decisiones rápidas con información incompleta. En arquitectura, si fallas en la coordinación, la obra se bloquea; aquí, si fallábamos, la ayuda no llegaba a tiempo.

Trabajamos mano a mano con el cuerpo de bomberos, el Ejército de Tierra y empresas como Mercadona. Mi rol fue actuar como conector: traducir necesidades locales a capacidades institucionales, alinear recursos públicos y privados y asegurar que cada intervención tuviera impacto real.

También asumí una parte importante de la comunicación: explicar con claridad qué hacía falta y qué no, evitar la sobrecarga de materiales innecesarios y orientar la energía colectiva hacia objetivos concretos. La comunicación, en emergencia, es también una herramienta de diseño.

El Ayuntamiento de Benetússer, uno de los municipios más dañados, nos entregó un reconocimiento oficial en los actos conmemorativos. Para mí fue la validación de que el pensamiento arquitectónico —visión de conjunto, capacidad de estructurar, liderazgo operativo y resolución práctica— puede aplicarse mucho más allá de los edificios.

Desde Juntos tras DANA decidimos no limitar nuestra intervención a la fase aguda. Como en cualquier proyecto urbano, la reconstrucción es un proceso. Trabajamos para consolidar la red creada y sostener apoyo continuado durante 2025, acompañando a los pueblos más golpeados en su recuperación.

La DANA me recordó algo esencial: la arquitectura no es solo forma ni estética. Es capacidad de ordenar el territorio —físico y humano— cuando todo parece colapsar. Y, en aquellos días, diseñar significó coordinar, decidir y construir respuesta en medio del barro.

Estructurado en dos partes, se articula como un programa público de conferencias de activistas, diseñador_s e investigador_s —cuyos trabajos abordan procesos como los extractivismos históricos, cursos de agua, ecología política, monocultivos o nuevas economías y políticas extractivas— y un taller abierto a públicos no expertos en los que abordar el pasado, el presente y el futuro probable de territorios de extracción en el noroeste peninsular, con la participación de l_s invitad_s.

Contó con la participación de Paulo Constantino y Ana Silva, activistas y habitantes de los márgenes del Tajo, portavoces del movimiento proTEJO (Movimento pelo Tejo), quienes narraron los problemas transfronterizos de la contaminación del río Tajo por los efectos de la agricultura y la ganadería; Ana Amado y Andrés Patiño, que a través de su investigación Habitar el agua abordaron los asentamientos en A Terra Chá (Lugo) del Instituto Nacional de Colonización franquista; Joám Evans Pim, quien narró la experiencia de las Brigadas Deseucaliptizadoras, una iniciativa nacida en la Comunidad de Montes en Mancomún de Froxán (A Coruña) contra los peligros de los incendios por los monocultivos de eucaliptos; Linda Schilling Cuellar (AHORA) y su proyecto de investigación sobre los efectos de la minería de cobre para las comunidades en Chile; y GRANDEZA (Amaia Sánchez-Velasco y Jorge Valiente Oriol), quienes abordaron formas de imaginación política para pensar el futuro de los territorios extractivos en diferentes geografías.

Territorios disputados fue una dinámica abierta al público con la que probematizar el futuro de episodios extractistas a ambos lados del Miño. A través de un formato basado en la tirada de tarot de la Cruz Celta, un sistema de cartas permite identificar agentes y dinámicas presentes en los pasados, presentes y futuros probables de los territorios. Por último, una fase más especulativa explora herramientas y alianzas para futuros más deseables.

Problemas húmidos fue una actividad satélite de la Porto Design Biennale, y tuvo lugar en el centro cultural O Instituto (Porto, Portugal).

En 2020 visitamos Las Cigarreras con motivo de un concurso para rehabilitar parte del complejo. En muchas de las fotos que tomamos aparecían vigas de madera: algunas aún sostenían cubiertas a una o dos aguas; otras estaban ya desmontadas y apiladas en el suelo. Tres años después, cuando comenzó la obra, casi todas las vigas terminaron en el contenedor. La propuesta ganadora, más preocupada por recuperar una volumetría ideal que por mantener lo existente, no encontró encaje para esa madera fuera del estándar.

Cuando vimos salir las vigas, empezamos a organizarnos. Conseguimos rescatar unas pocas —algunas directamente del contenedor, otras con ayuda de personal de la obra—. Si las vigas las trajimos en carrito, a por las butacas tuvimos que ir en furgoneta. Al mismo tiempo que rescatábamos las vigas apareció otra oportunidad: las butacas de un antiguo cine de Tous buscaban una segunda vida. Entre la madera descartada, los asientos recuperados y unos perfiles y abrazaderas metálicas que ya teníamos en el taller, comenzó a tomar forma la idea de una grada para el Secadero.

Durante semanas, el Secadero se convirtió en taller de carpintería. Las vigas eran tan duras que quemamos dos taladros y alquilamos hasta tres sierras de corte. Alternamos máquina y herramienta manual: compramos nuestros primeros formones y, con un hacha, retiramos las capas más superficiales de carcoma. El proceso fue exigente y lento, pero también una forma de aprendizaje compartido: entender la materia, aceptar sus límites y trabajar con ellos en lugar de imponerles una forma previa.

La grada no nació de un dibujo abstracto, sino del encuentro entre los materiales realmente disponibles. Las dimensiones de las vigas, el estado de las butacas, la lógica desmontable de los perfiles metálicos y el propio espacio del Secadero fueron ajustando la solución. Más que un diseño acabado, fue un ensamblaje atento: probar, desmontar, corregir y volver a montar.

Antes de ser grada, todo eran piezas sueltas. Elementos considerados “residuos” que, al ponerse en relación, adquirieron una nueva coherencia. El proyecto cuestiona una inercia habitual en la arquitectura contemporánea: la fascinación por lo nuevo y la dificultad para incorporar mantenimiento, reparación y reutilización como dinámicas de proyecto. Frente a la demolición casi automática, este gesto es pequeño pero insistente: rescatar, adaptar y prolongar la vida útil de lo existente.

La grada del Secadero es quizás algo más que un conjunto de asientos. Es el resultado de trabajar con lo que teníamos a mano, de organizarnos y aprender durante el proceso. Una estructura hecha desde la reutilización, que hoy sirve para que otras actividades puedan suceder allí.

El enfoque innovador de una cocina que tiene como principal premisa elevar su producto, encuentra continuidad en el espacio. Así, Tonton nace de una ambiciosa apuesta culinaria donde cocina y espacio no pueden entenderse el uno sin el otro. La modernidad de su producto de vanguardia encuentra similitudes con la sofisticación de los recursos estéticos empleados. No sin olvidar, la importancia y defensa de la tradición. El espacio es proyectado atendiendo cuidadosamente a la preexistencia. Las imponentes cualidades espaciales de este local, así como la expresividad de su construcción, son potenciadas al máximo para sacar a relucir la esencia de este maravilloso lugar.

Dos ambientes bien diferenciados definen este restaurante. En primer lugar, se proyecta una zona de bar que es entendida como espacio de bienvenida. Una antesala de ambiente relajado e informal donde se advierten los notas características de una estética depurada. Una gran barra acompañada de mesas y taburetes de carácter desenfadado definen esta sala. En segundo lugar, se proyecta un gran comedor donde cada rincón respira diseño. Este espacio, el corazón del proyecto, se cubre mediante una singular cubierta de madera a dos aguas. El recinto, prácticamente cuadrado, se organiza estratégicamente para albergar una serie de bancadas cuya flexibilidad admite diversas disposiciones. De este modo, se aprovecha la versatilidad de estos elementos para proporcionar un esquema de organización que facilita tanto las comidas en grupo como las cenas o eventos de carácter más privado.

La necesidad de crear una ambiente acogedor pasa por conseguir una selección de materiales acertada. En ese sentido, adquiere una notable importancia la apuesta por encontrar un diálogo responsable entre lo nuevo y lo viejo. Los materiales existentes como la madera o el ladrillo se relacionan sutilmente con las nuevas aportaciones. Las singulares piezas de fábrica definen las nuevas construcciones y establecen un hilo conductor que caracteriza todo el proyecto. Esta solución, acompañada de otros materiales más innovadores como el acero o los textiles, permite crear una atmósfera enigmática en la cual es posible disfrutar de una experiencia relajada pero, a su vez, sofisticada.

Casa Musica aparece como la nueva propuesta de valor de la firma Casa Neutrale. Después de Casa Coffee, Casa Day & Night y Casa Wine Bar, desarrollamos este cuarto proyecto en el que, una vez más, se investiga profundamente en el desarrollo de nuevos conceptos. Después de trabajar primero con el café, luego con la comida y finalmente con el vino, ahora es la música la que se convierte en protagonista del espacio. Se propone un espacio íntimo y acogedor donde cada solución arquitectónica es estudiada al detalle con el objetivo de alcanzar una calidad del sonido fuera de lo común.

Con esta voluntad inicial, se plantea un espacio cuya atmósfera trabaje en favor de la narrativa del proyecto. Para ello, se desarrolla una singular estrategia con la cual se define toda la intervención. Por medio de un recurso como es el bloque de hormigón se construye la identidad del espacio. El apilamiento de estos bloques comienza a dar forma a los principales elementos de diseño. Entre ellos, las barras y las bancadas se convierten en protagonistas esenciales de las dos grandes salas. De este modo, se consigue uniformidad en el empleo de recursos y coherencia en la construcción del ambiente.

Una vez levantadas los principales volúmenes, se comienzan a aportar toques de calidez mediante el empleo de otros materiales. La madera oscura remata las bancadas y construye el mueble del DJ. Por su parte, la piedra dibuja toda una mesa alta que ata entre sí los huecos que miran a la calle. Los toques de acero aportan sofisticación a toda la composición. Por último, las superficies de techo son proyectadas con celulosa hasta conseguir un aspecto oscuro y sombrío que recuerda a una especie de gruta.

El resultado es un espacio dividido en dos plantas. Una primera zona a pie de calle funciona como restaurante de noche. Su atmósfera armoniosa y calmada recibe a los comensales. Por su parte, la planta sótano se proyecta con mimo para el disfrute de la música. El aspecto de cueva envuelve la escena y genera una sensación donde el sonido se experimenta de manera singular.

espacio DIIR es la nueva casa de DIIR. Un laboratorio de experimentación cuyo concepto va más allá del tradicional estudio de arquitectura. Abierto a la calle y en pleno contacto con el barrio de Chamberí, este espacio no esconde nada. Su razón de ser no solo tiene la voluntad de mostrar y difundir el arte de la arquitectura, sino que persigue el firme objetivo de mezclar el trabajo del día a día con una actividad cultural de primera línea.

espacio DIIR refleja fielmente los cuatro pilares que definen el trabajo DIIR. Un espacio que habla de rigor a través del dominio de la técnica. De sensibilidad a través del respeto por el material y la atención al detalle. De atemporalidad a través de la neutralidad de su diseño. Y de resonancia a través de la habilidad por generar impacto. Buen reflejo de ello es la mesa de 6 metros de largo que da la bienvenida. Esta pieza escultórica se convierte en la gran protagonista del espacio. Su cuidado diseño mezcla sofisticación y artesanía y, de este modo, ejemplifica los valores del estudio.

Esta primera sala se concibe como un espacio de acogida y reunión. Sus dos grandes escaparates establecen un interesante diálogo con la calle Covarrubias. El carácter polivalente de este espacio, solo colonizado por la mesa en voladizo, es empleado para albergar actividades culturales de diversa índole. Desde cenas a conferencias, pasando por exposiciones de ropa o producto, su versatilidad ofrece numerosas alternativas. Seguidamente, y en contacto directo con esta primera zona, se dispone el espacio de trabajo. Dos grandes mesas acogen hasta doce puestos. Por último, un espacio bisagra nos distribuye hacia otras dos salas. Una es destinada a sala de reuniones, mientras que la otra, recibe la cocina. Este espacio, diseñado hasta el último detalle, tiene la clara voluntad de recibir un papel relevante en el esquema general. Su mesa acoge numerosos comensales y se convierte en un agradable espacio de improvisadas reuniones. En contacto directo con esta sala se ubican los baños.

La paleta de materiales permite que el espacio sea entendido como un showroom. Las soluciones escogidas reflejan muy bien la manera de hacer de DIIR. De este modo, se mezclan materiales naturales como el ladrillo, la celulosa o la madera de pino con otros más sofisticados como el aluminio vibrado. Se trabaja concienzudamente esta combinación de materiales hasta conseguir un ambiente neutro y homogéneo.

La propuesta se organiza a partir de una estrategia por fases que permite dar respuesta a las necesidades inmediatas —terminal de autobuses, nuevo ayuntamiento, aparcamiento, vivienda y parque— sin renunciar a una visión a largo plazo. Más que resolver un programa cerrado, el proyecto establece una estructura capaz de evolucionar en el tiempo, preparada para absorber cambios en los modos de movilidad, en los usos urbanos y en las demandas sociales futuras. La infraestructura se concibe, por tanto, como un soporte resiliente y adaptable.

La implantación construye un gradiente urbano que transita desde la gran escala vinculada a la estación ferroviaria y la terminal de autobuses hacia la escala más doméstica del tejido residencial al sureste. En esta secuencia, la terminal se sitúa perpendicular a Alej Emilie a Jana Křižanových, consolidándose como pieza de anclaje. Paralela a la estación, una pérgola infraestructural define un frente lineal reconocible y establece un diálogo directo entre los sistemas de transporte. En una primera etapa, esta estructura integra el aparcamiento, resolviendo las demandas actuales y, al mismo tiempo, dejando prevista su posible transformación futura.

La terminal actúa como umbral del nuevo parque urbano, enmarcando el acceso y canalizando los flujos peatonales hacia el corazón cívico del conjunto. El nuevo ayuntamiento se concibe como un edificio de vocación pública y carácter abierto, activo en sus cuatro frentes. Su implantación le permite relacionarse simultáneamente con el parque, la terminal y los recorridos urbanos, funcionando como pieza de mediación entre la intensidad infraestructural y la escala más próxima y residencial.

Los edificios proyectados —equipamientos municipales, terminal y aparcamiento, junto con las nuevas viviendas— comparten una lógica basada en la claridad estructural y en sistemas modulares que facilitan su adaptación en el tiempo. Esta decisión permite prever posibles cambios de uso, de modo que tanto la estación de autobuses como el aparcamiento puedan reconvertirse en espacios residenciales o terciarios si las dinámicas urbanas lo requieren.

El paisaje se plantea como una infraestructura activa. A través de superficies permeables, ligeras variaciones topográficas y una selección vegetal acorde con las condiciones locales, el parque gestiona el agua de lluvia, la infiltra y la almacena, integrando criterios ambientales en la experiencia cotidiana del espacio público. Movilidad, vegetación, biodiversidad, drenaje, programa e iluminación se articulan como un sistema continuo y coherente, donde arquitectura e infraestructura se funden en un mismo soporte urbano capaz de adaptarse y perdurar.

CDV es un edificio residencial que ocupa una pequeña parcela del barrio de Prosperidad de la ciudad de Madrid. La parcela cuenta con un fondo menor de 10 metros, lo que no le permite tener una fachada posterior que se abra a un patio de manzana propio.

El edificio trata entonces de encajarse dentro de una parcela mínima a través de un juego volumétrico tridimensional que intenta conseguir unas viviendas de máxima calidad espacial, amplitud, confort climático, ventilación cruzada y con unas vistas a un paisaje natural que no le correspondería.

Cada vivienda se desarrolla en varias medias alturas permitiendo separar las estancias públicas de las privadas a través de estos cambios de altura. No existe una vivienda tipo pues todas las viviendas para conseguir la máxima calidad espacial se encajan como si se tratara de un rompecabezas tridimensional unas sobre otras.

Dentro de cada vivienda, las estancias públicas de mayor altura dan a una fachada exterior mientras que las privadas se abren a un falso paisaje exterior, una cámara bioclimática que funciona como una chimenea de ventilación vertical en todo el edificio. Esta cámara bioclimática se consigue al retranquear un metro la fachada trasera respecto al límite posterior de la parcela, dejando una cámara vertical, un hueco que permite crear un doble fondo, un nuevo paisaje que genera unas vistas naturales, y un hueco de ventilación tanto vertical como cruzada en cada vivienda. En este doble fondo, se sitúan unas plataformas porosas ligeras de trámex que permite el paso del aire en vertical y la colocación de especies vegetales.

La normativa urbanística exige consolidar todos los límites de la parcela, por lo que para la fachada posterior se propone un sistema de paneles de chapa microperforada que permite el paso natural del aire. El edificio se separa de esta fachada posterior dejando un hueco de ventilación donde aparece el nuevo paisaje natural. Esta fachada posterior, modular y neutra, funciona como un fondo blanco que pasa desapercibido para los edificios colindantes al mismo tiempo que oculta la complejidad interior del edificio.

En contraposición, la fachada principal asume un papel explícito de representación. Además de abrirse casi por completo a la calle, solo aparecen como materiales opacos y masivos cantos de forjados y muros divisorios de viviendas, construye una identidad diferencial mediante una gran cortina exterior que cubre la totalidad del edificio como un telón habitable. Sobre ese plano textil se inscribe una forma abstracta, carente de simbología literal, compuesta por fragmentos asociados a cada vivienda. En conjunto, la cortina produce un emblema compartido: una imagen común para los habitantes y un dispositivo mutable para la ciudad, capaz de recomponerse con el uso, como si la vida doméstica operase directamente sobre la fachada.

El edificio residencial CDV habita un residuo urbano mínimo como si de un rompecabezas se tratara, creando viviendas independientes en su tipología y dependientes en su conjunto. Un conjunto que tiene en cuenta tanto el confort de sus propios habitantes como la creación de una ciudad dinámica y compleja. Un paisaje natural inventado construye una cámara bioclimática que mejora la habitabilidad de las viviendas, y una gran fachada textil sitúa y refleja la vida doméstica cambiante y flexible.

La Ikastola Kurrutziaga es una institución educativa con más de 50 años de historia. Como suele ser habitual en este tipo de equipamientos, las necesidades internas cambiantes junto con las transformaciones de la ciudad a lo largo del tiempo, han generado un crecimiento orgánico del edificio, con intervenciones heterogéneas y, en algunos casos, degradantes.

El edificio matriz, una arquitectura de 1974 de los arquitectos Aretxabaleta y Uriarte, es una pieza con gran interés arquitectónico, construido en ladrillo caravista, y hormigón armado. La configuración escalonada en sentido oeste / este genera una sucesión de cubiertas incluidas en dientes de sierra, que tienen su reflejo en la fachada principal (norte), articulando una serie de volúmenes emergentes que aportan una imagen característica al edificio.

La modificación del vial, realizada en los años 90, que transcurre frente la fachada norte, generó un gran muro de contención de hormigón armado que actúa como un zócalo, un podium sobre el cual surge el edificio y que históricamente ha funcionado como soporte de arte urbano.

El encargo consistió en la sustitución de un añadido degradado de 4x20 m, ubicado en el extremo este del edificio de Aretxabaleta y Uriarte, y en la dignificación del zócalo de hormigón armado, de gran presencia urbana y cubierto de murales.

Este espacio contradictorio: es interior a la vez que exterior, es el acceso a la guardería y zona de juego, debía ser confortable pero no tener climatización. La intervención se concibió como un elemento que actuara como colchón térmico diáfano, capaz de adaptarse a los distintos que a lo largo del tiempo los usuarios se fueran apropiando de él..

Una secuencia de pilares cruciformes de ladrillo cara vista se apoyan en el zócalo de hormigón armado, dando a su vez un final al edifico existente y una nueva cara a la ciudad, más acorde con la institución que alberga el edificio. El zuncho de hormigón armado apoyando en los pilares de ladrillo alberga las gárgolas de evacuación de pluviales de la cubierta a dos aguas invertidas con cobertura de zinc.

Para el interior se recuperan los tableros tricapa de pino empleados en el proceso de encofrado de los elementos de hormigón.

Aprovechando las pintadas que existían en el zócalo de hormigón, y aprovechando la imponente presencia de éste, se abujarda el muro eliminado la mayor parte de las pintadas, dejándolas solamente como fondo de la tipografía que se emplea para poner el nombre de la Ikastola, a modo de palimsepto, permitiendo no olvidar la memoria del lugar, generando un nuevo estrato de memoria.

Pabellón II Edición La Forêt Monumentale 2024-2026

COMPLUVIUM se erige como una alegoría al agua, poniendo en valor la condición climática más propia de Rouen y del entorno boscoso de Canteleu, las copiosas lluvias que abundan durante todo el año. Se trata de un “artefacto espacial” de carácter atemporal, el cual, por una parte, aparece definido por una geometría reconocible, en evidente contraste con el entorno natural, y, por otra, intenta desaparecer sutilmente mediante un trabajo de pieles de lino y fibra de vidrio, materiales que al contacto con la luz transforman su aspecto y terminan por mimetizarlo con el paisaje.

El objetivo principal es el de construir una experiencia arquitectónica desde el interior del espacio mediante la cual sea posible hacerse consciente de la presencia del agua en el bosque, sublimando así su propia condición material; de esta manera, la paradoja radica en que lo que se busca no es la protección frente al agua, sino, por el contrario, construir un refugio para ella. Ahí se sustenta el principio de alegoría material que buscamos, y donde la arquitectura, se transforma, simplemente, en el soporte necesario para que la experiencia ocurra.

COMPLUVIUM se resuelve en una operación geométrica que articula un vacío central a partir de un cubo virtual de 5 x 5 x 5 metros, donde las cubiertas inclinadas hacia el interior permiten recoger el agua en el centro del pabellón, del mismo modo que ocurría en el “atrium” romano, o como lo hace desde hace siglos la comunidad Diola del sur de Senegal con sus propias viviendas, en búsqueda de la necesaria colección de lluvia. La alusión a ambos referentes sintetiza nuestra aproximación a la idea de “artefacto espacial”, donde, en este caso, la activación del mismo por medio del agua, no tiene otra función que la de la contemplación.

La resolución material busca maximizar la experiencia sensorial y perceptiva del espacio con el uso de lo mínimo, en este caso sólo a través de tres materiales: una estructura ligera de entramado de madera de pino que permite dar cuerpo al “refugio del agua”; la fibra de vidrio con resina, que actúa como membrana protectora, dejando pasar la luz pero otorgando una envolvente hidrófuga resistente al paso del tiempo; y finalmente, el lino, de fabricación 100% local, que conforma la piel exterior e interior del pabellón de manera diferenciada, con una protección de lasur negro en su cara externa y con su expresión natural en la interna, reforzando así la dualidad entre cáscara e interior como un ejercicio ambivalente que permita cualificar la experiencia espacial.

De esta manera, la madera, el lino y la fibra de vidrio, establecen un complejo diálogo entre “pieles” de distinta naturaleza que, en última instancia, matizan la atmósfera espacial y definen un vínculo preciso entre el interior y el exterior. Del mismo modo, la madera y el lino hacen referencia directa a la tradición y a la identidad arquitectónica y cultural de Normandía, cuestión que se encuentra tanto en la tipología “colombage” de casas con estructura de madera vista, como en la producción local de lino. COMPLUVIUM se resuelve así, en una relación entre dos materiales reconocibles que forman parte de la memoria constructiva de Rouen, en un intento por establecer una relación consciente entre territorio, arquitectura y memoria.

La Clínica Fisioterapia Kantero se sitúa en la planta baja de un edificio de viviendas entre medianeras en el casco antiguo de Durango. Como ocurre en la mayoría de las hileras residenciales de esta trama histórica, el edificio dispone de una fachada principal orientada a la calle y una segunda fachada abierta a un pequeño patio de manzana, un espacio tradicionalmente residual al que se le ha dado la espalda y que rara vez ha sido activado arquitectónicamente.

El proyecto parte de la voluntad de revertir esa condición secundaria, entendiendo el local no solo como un espacio interior de uso sanitario, sino como una oportunidad para dialogar con el entorno inmediato. La intervención se concibe a través de un juego preciso de llenos y vacíos, donde la organización espacial, la materialidad y la luz se convierten en herramientas fundamentales de proyecto.

La envolvente existente se trabaja como un elemento abstracto y monocromático, casi neutro, que actúa como telón de fondo. Dentro de este contenedor se inserta una caja translúcida que, mediante un ligero giro respecto a la alineación longitudinal del local, articula todo el espacio. Este gesto geométrico rompe la rigidez de la planta original, genera diagonales visuales y construye una secuencia espacial más dinámica y fluida.

En el interior de esta caja se alojan los usos más privados del programa: las cabinas de masaje y el aseo. La condición translúcida del cerramiento permite preservar la intimidad sin perder la continuidad visual y lumínica, favoreciendo una percepción unitaria del conjunto. El espacio restante, liberado alrededor de la pieza girada, acoge los armarios de almacenaje y el gimnasio destinado a actividades grupales, configurando un ámbito más abierto y flexible.

La estructura y el sistema constructivo se resuelven mediante chapa plegada, cuidadosamente modulada según la dimensión de los bloques de vidrio empleados en los cerramientos. Esta modulación no solo ordena la estructura, sino que se extiende a todos los elementos del proyecto: particiones, mobiliario fijo, carpinterías e incluso la disposición de la iluminación natural y artificial. El resultado es un espacio de fuerte coherencia formal, donde cada decisión responde a una lógica común.

En las zonas que requieren mayor privacidad, como los aseos, el bloque de vidrio se combina con bloque de hormigón, introduciendo mayor opacidad y densidad material sin romper la unidad estética. Esta combinación refuerza la lectura de la caja como un volumen compacto inserto en el interior del local.

La luz desempeña un papel esencial en la propuesta. Durante el día, la clínica maximiza la captación de luz natural, que se filtra a través de los bloques de vidrio generando una atmósfera homogénea y serena, adecuada para un espacio de cuidado y bienestar. Por la noche, el efecto se invierte: el interior iluminado transforma el local en una auténtica linterna urbana, activando visualmente el patio de manzana y aportando una nueva presencia luminosa dentro de la trama histórica. Así, la intervención trasciende su condición interior para convertirse en un pequeño hito contemporáneo en el tejido tradicional de Durango.

Un bosque de eucaliptos en algún lugar de la costa vasca, alberga el sueño de dos amigos. En parte instalación efímera, en parte museo al aire libre, la intervención se concibe como un paseo ingrávido entre los árboles. La frondosidad del bosque, junto a la pérdida de referencias visuales lejanas, genera un itinerario donde la luz y la naturaleza se convierten en lo únicos protagonistas. Un espacio de contemplación e introspección que se transforma de noche para ofrecer instalaciones lumínicas de distintos artistas invitados.

Auto-construida por los promotores en su totalidad, todos los elementos constructivos han sido diseñados para poder ser montados y desmontados con facilidad, devolviendo el bosque a su estado original una vez agotada la vida útil de la intervención.

La plantación de eucaliptos, ha generado la desecación y consiguiente compactación del de los estratos superiores del terreno, permitiendo cimentar superficialmente sin necesidad de movimientos de tierras. Sobre las bases de hormigón armado prefabricado utilizado para los vallados de obra, se ha montado una estructura ligera a partir de tablones de alerce sin tratar. La altura de los pilares rectangulares de 5 x 20 cm se adapta a la morfología del terreno, generando una pasarela flotante a través del bosque.

El retranqueo de las vigas laterales de la pasarela respecto a los tablas trasversales, enfatiza la sensación de ligereza, dejando un espacio para la colocación de la barandilla compuesta de cuerda tensada y barras verticales de acero corrugado que atraviesan las tablas y se anclan al terreno.

Más allá de su dimensión espacial, la intervención plantea una reflexión crítica sobre los monocultivos de eucalipto, frecuentes en amplias zonas del territorio. Frente a un paisaje productivo homogéneo y orientado casi exclusivamente a la explotación forestal, el proyecto introduce un uso cultural, temporal y colectivo que resignifica el lugar. Así, el bosque deja de ser únicamente infraestructura económica para convertirse en escenario de encuentro, creación y pensamiento, abriendo la puerta a modelos alternativos que combinan actividad cultural, activación social y respeto por el entorno.

La galería Ryder se traslada a una nueva ubicación en Madrid: un local que conserva, como herencia latente, su uso originario: un espacio empleado para el secado de jamones. Este pasado no se presenta como anécdota ni como motivo decorativo, sino como una infraestructura todavía activa: un sistema de cuelgue en techos, resuelto mediante pequeños ganchos metálicos de los que en su momento colgaron estas piezas. El proyecto parte de ese resto material como clave para entender el lugar y su actualización: el local ya estaba pensado para sostener y suspender, para organizar el aire, el peso y la distancia. La galería, en cierto modo, no introduce un gesto ex novo, sino un cambio de régimen sobre una lógica existente.

La intervención reconoce esa capa infraestructural y la reconvierte en soporte para el cuelgue de obra de arte. Los ganchos, y el orden que dibujan en el techo, se leen como una trama operativa: un plano de soporte que permite colgar, ajustar, desplazar y montar. Sobre esa misma capa se incorporan las instalaciones necesarias para el funcionamiento contemporáneo de la galería, singularmente electricidad e iluminación.

El techo se convierte en un plano técnico, capaz de alojar energía, luz y mecanismos de suspensión sin perder la memoria de su condición original.

Los nuevos elementos desarrollados para garantizar acceso, almacenaje y usos auxiliares parten de la misma lógica: piezas que se apoyan, se cuelgan o se anclan a lo existente, evitando imponer un orden ajeno. En particular, la escalera que da acceso a la planta sótano, la sala expositiva principal, se plantea como un elemento suspendido: se cuelga del muro de carga para bajar en voladizo, adaptándose a la geometría del hueco original existente en el forjado.

A esa genealogía del cuelgue se suma un segundo dispositivo, ahora tecnificado, pensado para facilitar el movimiento de piezas de gran tamaño. Un gancho motorizado, un polipasto, aprovecha el hueco liberado por la propia geometría de la escalera como espacio de carga. En planta calle, la barandilla, aparentemente estática, se abre para permitir la entrada y maniobra de obras de gran formato.

El conjunto se completa con un almacén ubicado en uno de los espacios abovedados del sótano. Allí, un sistema de peines cuelga a su vez de las bóvedas de ladrillo existentes: una última capa de suspensión que prolonga la lógica del proyecto hacia lo logístico.

Así, la galería se construye como una arquitectura de soporte: un espacio donde colgar no es un recurso, sino el principio que articula memoria, técnica y uso.

Recuerdo el momento exacto en el que decidí escribir este libro. Estaba reunido con los consultores de sostenibilidad de un proyecto de viviendas sociales en Boston: el primer edificio que diseñaba bajo los estándares Passivhaus y LEED.

Conforme pasaban los minutos, una sensación de incomodidad se apoderaba de mí. Punto por punto, los expertos encargados de revisar el proyecto iban indicando todo lo que requería ajustes, e iban proponiendo soluciones: añadir más centímetros de aislamiento, añadir una capa más de vidrio, añadir otra red de conductos.

Mi confusión iba en aumento. ¿Cómo es posible que la única estrategia para mejorar el impacto de un edificio en el medio ambiente consista en añadir más y más cosas?

En algún momento, alguien mencionó que sería problemático que los vecinos dejaran las ventanas abiertas con el aire acondicionado encendido. La solución propuesta consistía en colocar ventanas fijas que los residentes no pudieran abrir.

¿Qué sentido tiene aislarnos cada vez más del exterior y aumentar nuestra dependencia del aire acondicionado, la calefacción y la ventilación artificial? ¿Cuáles son las consecuencias de nuestra obsesión por la eficiencia y el control?

«Cómo hacer hielo en el desierto» nace como reacción ante unos sistemas de certificación que nos incitan a acumular soluciones materiales y debilitan nuestra relación con el entorno. Esta cuestión es el punto de partida para revisar el verdadero impacto de la arquitectura en el territorio, entendido como ecosistema físico y social.

El trabajo revisa cómo ha evolucionado la manera en que las personas nos relacionamos con la naturaleza. Durante los últimos setenta y cinco años, hemos construido edificios frágiles que dependen de sistemas mecánicos para garantizar el confort. La acumulación de tecnologías enfocadas al control y la eficiencia nos ha convertido en una especie climatizada dependiente del consumo de grandes cantidades de energía. En un escenario de creciente inestabilidad social y climática, este exceso de artificialidad nos convierte en una especie vulnerable.

A partir de una lectura crítica del paradigma dominante de la sostenibilidad, la investigación pone en valor una arquitectura capaz de dialogar con el clima en colaboración con un usuario activo. Inspirado en el pensamiento del filósofo libanés Nassim Taleb, se introduce el concepto de arquitectura antifrágil como marco para diseñar espacios adaptables que mejoran gracias al paso del tiempo y la volatilidad. Se propone pensar el entorno construido como una infraestructura capaz de adaptarse a la variabilidad y aprender de la incertidumbre. Una arquitectura que reduce su dependencia de sistemas mecánicos para fortalecer la relación entre el ser humano y la naturaleza.

El trabajo adopta un enfoque divulgativo y narrativo, evitando el lenguaje técnico y académico para facilitar la comprensión del impacto del entorno construido por el público general. A través de historias, proyectos y experiencias personales, el libro amplía el debate sobre arquitectura más allá del ámbito profesional y contribuye a una conversación pública informada sobre cómo habitamos y transformamos el territorio.

«Cómo hacer hielo en el desierto» se sitúa en la intersección entre investigación aplicada y difusión cultural para formular una posición disciplinar en un momento marcado por la incertidumbre social y ambiental. El texto reivindica la arquitectura como herramienta capaz de mejorar nuestras vidas desde la inteligencia climática y la responsabilidad colectiva.

La demanda del programa es limitada, pero dado que se pretende resolver toda la vivienda en planta baja, con el objetivo de vivir en relación directa con el espacio exterior y con los dos grandes robles existentes que se desean preservar, resulta necesario organizar cuidadosamente los espacios para encajarlos dentro del área disponible para edificar. Para dar respuesta a estas condiciones específicas del emplazamiento se plantean tres estrategias principales:

Volumen al norte. El volumen construido de la vivienda se retrasa hacia el norte con el fin de liberar la mayor superficie posible de jardín en la orientación favorable al sur. Solo se desajusta la primera de las crujías, que avanza ligeramente hacia el sur para proporcionar una salida exterior a una de las habitaciones, generando un vínculo directo entre el interior y el entorno natural. Esta decisión permite maximizar la exposición solar de las estancias principales y crea un espacio exterior protegido y privado.

Integración de los árboles. El volumen se divide en cuatro crujías que se desplazan hacia adelante o hacia atrás para integrar los robles existentes dentro de la edificación. Este gesto, además de incorporar los árboles en el proyecto, rompe la continuidad de la fachada y difumina el límite entre interior y exterior. Como resultado, se generan pequeñas terrazas al norte que funcionan como espacios de confort durante los meses cálidos, ofreciendo sombra y ventilación natural, al mismo tiempo que refuerzan la relación visual y sensorial con el entorno. La presencia de los árboles se convierte así en un elemento estructurante del proyecto, condicionando la geometría y el ritmo de los espacios habitables.

Estructura y espacio. Las cuatro crujías se delimitan mediante largos muros estructurales que soportan la cubierta. Estos muros no solo cumplen una función portante, sino que enmarcan de manera precisa las vistas privilegiadas de la parcela y organizan los espacios interiores de la vivienda. Cada plano constructivo define y separa visualmente los diferentes ámbitos de la casa, generando una secuencia espacial coherente que se abre al sur y se protege al norte. La combinación de desplazamientos y delimitaciones estructurales permite que la vivienda se perciba integrada en el paisaje, al mismo tiempo que mantiene privacidad y control climático.

La vivienda se adapta geométricamente al entorno natural que la rodea y, al mismo tiempo, interactúa con el clima, favoreciendo el confort pasivo y minimizando el consumo energético. Aprovechando que las vistas hacia los campos coinciden con la orientación favorable de la parcela, la construcción se abre completamente hacia el sur para potenciar la captación solar y se resguarda al norte para minimizar las pérdidas de calor por la fachada fría. Esta estrategia permite optimizar la eficiencia energética, el confort interior y la relación directa con el entorno, integrando el paisaje y los elementos naturales como parte activa del proyecto.

El resultado es una vivienda de planta baja que combina funcionalidad, relación con la naturaleza y eficiencia energética, donde cada espacio se sitúa y se orienta pensando en la interacción entre arquitectura, clima y entorno natural, creando una casa que respeta y potencia las cualidades del lugar.

El proyecto plantea la construcción de un espacio efímero concebido como dispositivo cultural activo. No se trata de un contenedor expositivo tradicional, sino de una infraestructura mínima capaz de activar usos, encuentros y conversaciones en el vestíbulo del CCCB. La intervención se sitúa en la intersección entre cultura material e inteligencia artificial, entendiendo ambas como sistemas de producción de conocimiento que operan desde lógicas distintas pero complementarias.

La propuesta parte de una premisa fundamental: intervenir sin transformar. En lugar de introducir nuevos materiales o sistemas específicos, se trabaja con elementos existentes, estandarizados y disponibles en el mercado de la construcción y la logística. Todos los componentes son reutilizables, desmontables y reversibles. La intervención no altera el espacio de manera permanente ni deja residuos materiales tras su desmontaje.

El sistema espacial se organiza a partir de un perímetro textil que delimita un ágora central. Mantas isotérmicas enlazadas entre sí configuran una envolvente plateada que actúa como telón de fondo reflectante, superficie lumínica y regulador térmico. Este material, asociado habitualmente a situaciones de emergencia, se resignifica aquí como dispositivo ambiental: refleja la luz existente, intensifica la percepción del movimiento y conserva el calor corporal, reforzando la dimensión colectiva del encuentro.

Una cortina dorada circunda el perímetro y permite graduar la apertura o cierre del espacio. Este gesto sencillo introduce una condición escénica variable: el ágora puede mostrarse o recogerse, expandirse o comprimirse, adaptándose a distintos formatos de uso —conversaciones, presentaciones, descanso, interacción informal—.

La estructura del stand se resuelve mediante la combinación de elementos constructivos estándar: trámex, perfiles IPE, cintas de sujeción y ruedas industriales. No se modifican ni mecanizan; se ensamblan mediante uniones reversibles que garantizan estabilidad y movilidad. El sistema es modular y replicable. Puede extenderse linealmente o compactarse sin alterar su naturaleza técnica.

El mobiliario surge del mismo principio constructivo. Rollos de aislamiento ignífugo se apilan y se fijan mediante cinchas, convirtiéndose en asientos, sofás o gradas informales. La lógica es directa: un material concebido para proteger se transforma temporalmente en soporte de reunión. No hay transformación irreversible, solo cambio de uso.

La infraestructura existente del vestíbulo —instalaciones eléctricas, iluminación y medios audiovisuales— se integra como soporte operativo. Una partición textil central funciona como pantalla de proyección y como interfaz para sistemas de inteligencia artificial, permitiendo la interacción digital sin introducir dispositivos autónomos adicionales. Este elemento divide el espacio y multiplica los ambientes, pero puede replegarse para recuperar la continuidad original del vestíbulo.

Desde el punto de vista ambiental, el proyecto minimiza la huella material al trabajar exclusivamente con componentes reutilizables y de trazabilidad conocida. No se generan residuos ni transformaciones permanentes. Cada elemento retorna a su circuito original una vez finalizado el evento.

La intervención se concibe, por tanto, como una arquitectura de préstamo: un ensamblaje temporal que activa el espacio sin apropiárselo. Un sistema ligero, reversible y consciente de su condición transitoria. La habitación existe solo durante el tiempo de uso; después desaparece, dejando como única huella la experiencia compartida.

Liight nace de una intuición muy sencilla y, a la vez, profundamente arquitectónica: si quieres cambiar comportamientos, no basta con lanzar un mensaje; tienes que diseñar el sistema que los haga posibles.

Como arquitecto y emprendedor, siempre me ha obsesionado la idea de que el diseño no es solo forma, es estructura. Es entender cómo interactúan las personas, los incentivos, el entorno y la tecnología. Liight surge precisamente de ahí: de aplicar pensamiento sistémico a uno de los mayores retos de nuestro tiempo, la sostenibilidad.

La premisa era clara: millones de personas ya realizan acciones positivas —caminar, ir en bici, usar transporte público, reciclar— pero el sistema no las reconoce ni las incentiva. ¿Y si diseñamos una infraestructura digital que convierta esos pequeños gestos en algo visible, medible y recompensado?

Liight no es solo una app; es un marco de comportamiento. Diseñamos una plataforma que mide actividad sostenible (movilidad activa, transporte público, reciclaje, participación en retos) y la transforma en puntos canjeables por beneficios reales. Gamificación con propósito. Tecnología al servicio del hábito.

Desde el inicio, mi papel fue construir la visión de conjunto: qué problema resolvemos realmente, para quién y cómo escalamos sin perder coherencia. Igual que en arquitectura, donde un edificio debe responder a contexto, normativa y uso, Liight debía encajar en tres capas: usuario, empresa y planeta.

A nivel de diseño, nos centramos en simplificar la experiencia. El usuario no quiere complejidad técnica; quiere claridad. Activarse, entender el impacto, ver progreso. Por eso trabajamos el funnel como si fuera una circulación arquitectónica: onboarding como vestíbulo, retos como espacios de interacción, marketplace como plaza pública donde el esfuerzo se materializa en recompensa.

Como emprendedor, asumí también la coordinación operativa: equipo de desarrollo, partners corporativos, integraciones tecnológicas, métricas de activación y retención. Liight ha trabajado con organizaciones como Ibercaja, Mutua Madrileña, Iberia, Acciona o HP, diseñando retos corporativos que convierten la sostenibilidad en algo tangible dentro de la cultura de empresa.

Cada proyecto lo abordamos como un sistema a medida: definir objetivos (CO₂ evitado, participación, bienestar), diseñar mecánicas de reto, integrar comunicación interna y medir resultados. No se trata solo de “hacer una campaña verde”, sino de diseñar comportamientos sostenibles sostenibles en el tiempo.

La tecnología es el soporte estructural. Algoritmos que detectan modos de transporte, dashboards que permiten a la empresa visualizar impacto agregado, sistemas de validación que garantizan fiabilidad. Pero la verdadera arquitectura de Liight es conductual: incentivos, narrativa, comunidad y reconocimiento.

En estos años hemos validado algo importante: cuando el sistema está bien diseñado, la gente responde. Miles de usuarios activados, toneladas de CO₂ evitadas, kilómetros recorridos a pie o en bici que antes quizá se habrían hecho en coche. No por imposición, sino por diseño inteligente.

Liight es, en esencia, la traslación de la arquitectura al mundo digital y social. Diseñar espacios físicos o diseñar comportamientos no es tan distinto: en ambos casos se trata de crear las condiciones para que ocurran determinadas acciones.

Hoy Liight evoluciona hacia modelos más escalables, más tecnológicos y más integrados con inteligencia artificial y análisis de datos. Pero la esencia se mantiene: visión sistémica, ejecución rigurosa y propósito claro.

Nadie puede definir hoy de forma precisa cómo vivimos, o cómo viviremos en el futuro cercano. A diferencia de otros momentos históricos, en los que la arquitectura estaba condicionada por vectores socioeconómicos que definían el uso de los espacios. Hoy la sociedad demanda más que nunca la flexibilidad y adaptabilidad de los modelos socioculturales y urbanos, y, por lo tanto, la polivalencia y mutabilidad de los espacios que habita. La inflación, el aumento del coste de la vida y la incertidumbre laboral han provocado que las personas inviertan más tiempo y recursos en el espacio doméstico, a través de actividades y experiencias antes ligadas a la ciudad. Esto hace inevitable importar al hogar dinámicas del espacio público.

Los proyectos de la serie pretenden dar un soporte polivalente a la diversidad de formas de habitar, enmarcándose en dos investigaciones activas:

NON–BINARY SPACE: Liberando el espacio

Investigación experimental que explora la “sostenibilidad espacial” y el hábitat indefinido, mediante estrategias de indefinición tipológica, funcional y energética; promoviendo la libertad de ocupación, transformación, e interpretación del espacio.

CROSS SPACE - Optimizando estructuras

Investigación práctica que desarrolla una estrategia de ocupación y optimización de estructuras e infraestructuras mediante proyectos de rehabilitación en edificios existentes. Busca minimizar el impacto material-energético y maximizar la polivalencia en el tiempo. La estructura, en su permanencia, pone en valor la memoria del barrio, del edificio y del espacio. Las estrategias se adaptan a elementos existentes como forjados, pilares, vigas y tipo de estructura, sistematizando dimensiones y soluciones constructivas.

Los primeros casos de estudio corresponden a construcciones de hormigón de la segunda mitad del s. XX en ensanches y arrabales de Madrid, como Colonia de San Antonio, Pacífico y Vallehermoso. La estrategia analiza la retícula estructural para delimitar dos tipos de espacios: binarios, definidos; y no-binarios, polivalentes. Estos últimos incorporan estrategias pasivas y activas y liberan conexiones que mejoran iluminación natural, ventilación cruzada y acceso a exteriores mediante la recuperación de terrazas y patios.

Los cuadrantes no construidos del cross-space se conciben como espacios dinámicos, colectivos y cambiantes a lo largo del tiempo, carentes de definiciones tipológicas. El cuadrante central, donde se produce la intersección espacial, funciona como confluencia de tránsitos y cualidades termodinámicas. Con sistemas flexibles de división puede conectarse o separarse de los adyacentes, configurándose como plaza, calle o volumen de control energético y acústico. Los cuadrantes extremos, junto a los espacios binarios, pueden unirse o aislarse, catalizando intimidad y flexibilidad.

Los espacios binarios domésticos quedan encajados en el perímetro del cross-space, dando soporte al espacio indefinido y otorgando privacidad. Ese límite definido se convierte en fachada secundaria del espacio público doméstico, con puertas, armarios o instalaciones.

El tratamiento material-constructivo atiende también a un carácter no-binario de los elementos. Tratándo de situarse en lo indefinido, tanto en lo “visual/estético” como en lo “invisible/tectónico”, generando un soporte base, duradero, sin terminar, fácilmente apropiable y configurable por sus usuarios, sus objetos, actividades y costumbres. Un hábitat latente, que se irá definiendo e indefiniendo con el tiempo.